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Expositions 2019

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Liste des artistes, auteurs et commissaires

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Fonds documentaire OPTICA (Service des archives de l'Université Concordia)

Ouvrages aidant à la consultation des archives

Droits électroniques




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Juan Ortiz-Apuy, La Guaria Morada, 2016. Humidificateur industriel, déshumidificateurs,
peinture Skylla, orchidées Guaria Morada (aka la fleur nationale du Costa Rica), éclairage et système de chauffage, dimensions variables | Industrial mist humidifier, dehumidifiers, Skylla paint, Guaria Morada Orchids (aka the national flower of Costa Rica), lighting and heating systems, variable size.
Crédit | Credit: Paul Litherland.


Juan Ortiz-Apuy
du 19 janvier 2019 au 16 mars 2019
La Guaria Morada

Vernissage, samedi le 19 janvier 2019 - 15h à 18h Samedis ensemble en familles : 26 janvier et 16 mars 2019.
«L’installation d’Ortiz-Apuy est certainement un geste des formes invisibles de travail et de soins qui animent les centre d’artistes : se déplaçant comme des cycles d’eau évaporée, extraite à l’infini et relâchée dans les airs». Sanader, Daniella. “Room Temperature.” Canadian Art. Automne 2018, p. 144-145. [Notre traduction].

Dans La Guaria Morada, des orchidées tropicales, un humidificateur industriel, des déshumidificateurs et une peinture bleu ciel sont rassemblés afin de former un environnement artificiel dans un état de négociation et de précarité perpétuels. Dépendant de l'éclairage, du système de chauffage et du personnel de la galerie, les orchidées sont comparables non seulement à l'objet d'art - maintenu au moyen de mécanismes visant à favoriser et à nourrir la pratique artistique - mais renvoient également aux centres d’artistes dont la structure exige des efforts constants et des négociations afin de maintenir les activités.


Similaire à un trope absurde et répétitif à la Sisyphe, l'installation fonctionne comme une métaphore de situations capturées dans des conditions d'incertitude. Concentrée autour de la fleur nationale du Costa Rica, Juan Ortiz-Apuy rend ici un hommage à son pays d'origine. La Guaria Morada représente un écosystème fragile. À l'instar du Costa Rica et, plus généralement, des pays en voie de développement de la région, les orchidées subissent une impulsion des forces et ce, dans une lutte cyclique pour se développer. L'humidificateur et les déshumidificateurs sont littéralement les forces externes qui permettent et empêchent les orchidées de s'épanouir, forces métaphoriques qui relèvent autant de l'économie que de l'influence étrangère, de la corruption et du contrôle.


Juan Ortiz-Apuy

Lancement à OPTICA de la revue ESPACE art actuel n° 121 (hiver 2019)
« Point de vue animal. »
(sous la direction de Bénédicte Ramade).
samedi le 19 janvier 2019 - 15h à 18h
Disponible à OPTICA, 11$

Visite commentée par l’artiste
2 mars 2019 de 20h à 22h (ang, fr, esp)

COMMUNIQUÉ DE PRESSE (pdf)


REVUE DE PRESSE

DELGADO, Jérôme. «Nature, urbanité et autres lieux à revoir», Le Devoir, 12 janvier 2019.



Juan Ortiz-Apuy vit et travaille à Montréal depuis 2003. Il est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Concordia (2008), d'un diplôme d'études supérieures de la Glasgow School of Art (2009) et d'une maîtrise en beaux-arts de l'Université Nova Scotia College of Art and Design (2011). Ses œuvres ont été exposées au Canada et à l’étranger, notamment aux Abattoirs Musée - Frac Occitanie Toulouse (France), au Musée IKEA (Suède), à la Galerie d’art de l’Université Carleton (Ottawa), à la Galerie d’art Owens (Sackville), à la Truck Contemporary Art (Calgary), au Museum London (Londres), à la Gallery 44 Centre pour la photographie contemporaine (Toronto), au MacLaren Arts Centre (Barrie) et à la Manif d'art 7 – la biennale de Québec (Québec).




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Léa Moison, 25/09 = 1 (partition) 1/5, 2018. Graphite sur papier. 104,14 x 175,26 cm. | Graphite on paper. 104,14 x 175,26 cm. variable size. Crédit | Credit: Paul Litherland.


Léa Moison
du 19 janvier 2019 au 16 mars 2019
25/09=1

Vernissage, samedi le 19 janvier 2019 - 15h à 18h
Dans le cadre de l’exposition 25/09=1 Léa Moison présente un corpus de dessins et une architecture obtenus à partir de protocoles et de systèmes, qui tentent de traduire le son bidimentionnellement et tridimensionnellement. L’artiste qui allie les arts visuels et médiatiques avec une solide culture musicale, développe une pratique reposant sur un mode de composition qui joue entre le passage du sonore au visuel. Chaque œuvre provient d’un travail de traduction de données découlant d’une série de relais effectuée d'une discipline à l'autre, suivant un système d'équivalence bien défini : ainsi la musique devient partition qui devient dessin qui devient objet qui devient musique, et ainsi de suite.

Montées sur papier blanc, les notations graphiques ne réfèrent pas au solfège et ne dévoilent pas une musique à jouer : le son s’avère absent et affranchit de repères de correspondances de cause à effet. Un volume, déployant une onde dépouillée, transpose aussi le phénomène sonore dans l’espace en s’inspirant de Iannis Xenakis qui combinait dans certains projets la musique électronique et l’architecture. La méthode utilisée par Moison comporte une certaine liberté de production qui rejoint la philosophie de l’indétermination de John Cage. Ce dernier décrivait lui-même les éléments de ses compositions en termes de méthode et de structure. En effet comme chez Cage, le processus chez Moison prévaut sur le geste et la touche subjective de l’artiste, tandis que le résultat laisse incorporer une part d’imprévisible. La reproduction de la matière de base (les données objectives issues de la structure d’une partition ou d’une sculpture) aboutit à la constitution d’objets indépendants qui étend de manière infinie les possibilités formelles.

L’espace d’exposition circonscrit un univers aérien, presque inexistant et irréel, une ambiance onirique où le temps s’avère suspendu.

Auteure : Esther Bourdages

Esther Bourdages travaille dans le champ des arts visuels et technologiques en tant qu'auteure, commissaire et chercheuse indépendante. Sa recherche curatoriale explore des formes d'art telles que l'art in situ, l'installation et la sculpture, souvent en conjonction avec le son.

COMMUNIQUÉ DE PRESSE (pdf)


REVUE DE PRESSE

BEHA, Claire-Marine. «Les (nombreuses) expositions à voir en février à Montréal», Le Baron, 31 janvier 2019.



Détentrice d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM et d’un diplôme en psychologie, Léa Moison vit et travaille à Montréal. Suite à ses études en musique et aux Beaux-arts de Lorient, elle décide d'explorer le lien entre les arts et de rallier dans un même espace la musique, le dessin et la sculpture. En parallèle, elle intervient auprès des jeunes à travers d'ateliers créatifs et imagine des projets aux travers desquels elle souhaite permettre aux jeunes de développer leur propre langage plastique.




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Juan Ortiz-Apuy, La Guaria Morada, 2016.
Crédit | Credit: Paul Litherland.

Les Samedis ensemble en familles | Los Sabados juntos en familia en español y portugués |
Saturdays with the Family
du 26 janvier 2019 au 16 mars 2019
La magie des orchidées! Autour de l'œuvre de Juan Ortiz-Apuy

Dans une ambiance tropicale, les visiteurs seront conviés à explorer les différentes espèces d’orchidées, d'identifier leurs particularités et de réfléchir au concept d'écosystème grâce à un atelier de création avec la médiatrice culturelle. Ils fabriqueront leurs propres fleurs à partir de différents papiers en s’inspirant d’orchidées de diverses origines. Les participant.e.s seront appelés à faire un lien avec les notions de biodiversité et d’écosystème, de reconnaître leur importance pour l’environnement et la nécessité de les préserver pour notre futur.

Informations pratiques
26 janvier 2019
16 mars 2019
13h à 16h

Ateliers ouverts à toute la famille et offerts en continu. Vous pouvez débuter l'atelier à l'heure qui vous convient et rester le temps que vous souhaitez.
Gratuit | Sans réservation
Enfants âgés de 4 et +
Durée : 1 h15 min

NOUVEAU : offerts aussi en espagnol et en portugais

En un ambiente tropical, los asistentes serán invitados a explorar las diferentes especies de orquídeas, a identificar sus particularidades y a reflexionar sobre el concepto de ecosistema, gracias a un taller de creación con las dos mediadoras culturales. Podrán fabricar sus propias flores a partir de diferentes papeles, inspirándose en orquídeas de diversos orígenes. Al familiarizarse con las diferentes especies existentes, sus hábitats naturales y artificiales, los participantes serán instados a establecer una relación con las nociones de biodiversidad y de ecosistema, a reconocer su importancia para el medio ambiente y la necesidad de preservarlos para nuestro futuro.


Informaciones prácticas
16 de marzo de 2019
1 PM a 4 PM
Gratis | Sin reserva Niños de 4 años en adelante
Duración : 1 h15 min

NUEVO : también disponible en español y portugués

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Couverture du livre The Players,
Graphisme | Cover of the book The Players,
Graphic Design: Jeff Kulak

Zoë Chan_The Players
du 31 janvier 2019 au 2 mars 2019
Nouvelle publication indépendante disponible à OPTICA.

Le MAI présente l'exposition Le je et le nous / The I and the We sous le commissariat de Zoë Chan avec les artistes suivantes : Tonia Di Risio, Kirsten Leenaars, Caroline Monnet, Alana Riley, Karen Tam, Arnait Video Productions + Shirley Bruno.

En parallèle Chan lance une publication qui documente un cycle d'expositions, incluant Vies performatives présentée à OPTICA en 2018. Disponible à OPTICA.

100 p, ill. coul. 12,8 x 20,5 cm
Textes : Zoë Chan, Cheryl Sim
Graphisme : Jeff Kulak
Publié à 200 exemplaires
ISBN 978-0-9939943-1-9
[20$]




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Pavitra Wickramasinghe, Studio Experiment, 2013. Photographie numérique, dimension variable.
Avec l’aimable permission de l’artiste. | Digital photography, variable size. Courtesy of the artist

Théâtre d’ombres avec Pavitra Wickramansinghe | Shadows theater with Pavitra Wickramansinghe
du 1 février 2019 au 30 avril 2019
NOUVEAU ! Projet satellite avec les tout-petits de La Sourithèque

Centre de la petite enfance La Sourithèque, quartier Centre-Sud
Printemps 2019

Ce projet satellite, à l’extérieur des lieux d’OPTICA, est réalisé conjointement avec l’artiste Pavitra Wickramansinghe. Les enfants de La Sourithèque participeront à la création d’une œuvre cinétique collective – un jeu d’ombres fantasmagoriques - installée temporairement dans leur milieu de vie. Se voulant une invitation au voyage pour aller à la rencontre de l’autre, le projet vise à faire découvrir aux tout-petits la culture de leurs ami.e.s et de leurs familles.

Théâtre d’ombres reçoit le soutien de la Fondation du Grand Montréal dans le cadre du programme Initiatives communautaires 2018 en lien avec les objectifs de développement durable des Nations-Unies.

www.souritheque.com

Le programme éducatif reçoit le soutien de la Fondation du Grand Montréal, Programme Initiatives communautaire 2018, et de la Caisse Populaire Desjardins du Plateau-Mont-Royal.




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Juan Ortiz-Apuy, La Guaria Morada, 2016. Humidificateur industriel, déshumidificateurs, peinture Skylla, orchidées Guaria Morada (aka la fleur nationale du Costa Rica), éclairage et système de chauffage, dimensions variables | Industrial mist humidifier, dehumidifiers, Skylla paint, Guaria Morada Orchids (aka the national flower of Costa Rica), lighting and heating systems, variable size. Crédit | Credit: Paul Litherland.

Juan Ortiz-Apuy
du 2 mars 2019 au 3 mars 2019
Nuit Blanche : La magie des orchidées! avec Juan Ortiz-Apuy

En lien avec l’exposition La Guaria Morada de Juan Ortiz-Apuy, présentée à OPTICA du 19 janvier au 16 mars 2019, l’événement « La magie des orchidées » offre aux jeunes visiteurs et à leurs familles de découvrir l’installation en présence de l’artiste et des médiatrices culturelles du centre.

Visite commentée par l’artiste en espagnol à 20h et en anglais à 22h

L’exposition La Guaria Morada de Juan Ortiz-Apuy introduit des orchidées tropicales, un humidificateur industriel à ultrasons et des déshumidificateurs afin de former un environnement artificiel dans un état de négociation et de précarité perpétuelle. Concentrée autour de la fleur nationale du Costa Rica, cette installation, réel écosystème fragile, réfère au pays d’origine de l’artiste et se rapporte aux situations prises dans des conditions aussi incertaines et vulnérables. Dépendant de l’éclairage de la galerie et du personnel nécessaire à sa maintenance, les orchidées sont similaires à l’objet d’art, maintenus par des systèmes visant à favoriser et à nourrir la pratique artistique.

En plus de profiter de la présence de l’artiste en galerie de 19h à 22h dans une ambiance tropicale, les visiteurs seront conviés à explorer les différentes espèces d’orchidées, d'identifier leurs particularités et de réfléchir au concept d'écosystème grâce à un atelier de création avec les deux médiatrices culturelles. Ils fabriqueront leurs propres fleurs à partir de différents papiers en s’inspirant d’orchidées de diverses origines.

En se familiarisant avec les différentes espèces existantes, leurs habitats naturels et artificiels, les participant.e.s seront appelés à faire un lien avec les notions de biodiversité et d’écosystème, de reconnaître leur importance pour l’environnement et la nécessité de les préserver pour notre futur.

L’atelier se déroulera en continu jusqu’à 1:00. Du jus et des fruits seront servis aux noctambules. Cette activité vise particulièrement le jeune public et leurs familles, mais pourra être adaptée à tous les âges.


nuitblanche
Aunado a la exposición La Guaria Morada de Juan Ortiz-Apuy, presentada en OPTICA del 19 enero al 16 de marzo 2019, el evento « La magie des orchidées » le brinda a los jóvenes visitantes y a sus familias la oportunidad de descubrir la instalación en presencia del artista y de las mediadoras culturales del centro.

Visita comentada por el artista en español a las 20h Y en inglés a las 22h

La exposición La Guaria Morada de Juan Ortiz-Apuyintroduce orquídeas tropicales, un humificador industrial ultrasónico y deshumificadores con el fin de crear un ambiente artificial en un estado de negociación y de precariedad perpetua. Dicha instalación, cuyo verdadero ecosistema frágil se centra alrededor de la flor nacional de Costa Rica, hace referencia al país natal del artista y remite a las situaciones dadas en condiciones tan inciertas y vulnerables. Dependiendo de la iluminación de la galería y del personal necesario para su mantenimiento, las orquídeas se asemejan al objeto de arte, mantenidas por sistemas destinados para favorecer y nutrir la práctica artística.

Además de poder beneficiar de la presencia del artista en la galería de 19h a 22h en un ambiente tropical, los asistentes serán invitados a explorar las diferentes especies de orquídeas, a identificar sus particularidades y a reflexionar sobre el concepto de ecosistema, gracias a un taller de creación con las dos mediadoras culturales. Podrán fabricar sus propias flores a partir de diferentes papeles, inspirándose en orquídeas de diversos orígenes.

Al familiarizarse con las diferentes especies existentes, sus hábitats naturales y artificiales, los participantes serán instados a establecer una relación con las nociones de biodiversidad y de ecosistema, a reconocer su importancia para el medio ambiente y la necesidad de preservarlos para nuestro futuro.

El taller se llevará a cabo de manera continua hasta 1 AM. Se les servirán jugos y frutas a los noctámbulos. Esta actividad está particularmente destinada a un público joven y a sus familias, pero podrá ser adoptada a todas las edades.




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Atelier à la Sourithèque avec Pavitra Wickramasinghe,
février 2019.
Crédit photo : Tanha Gomes


Pavitra Wickramasinghe et les souriceaux
du 14 mars 2019 au 17 mai 2019
Exposition jeunesse_à La Sourithèque

souritheque
OPTICA + La Sourithèque

Théâtre d’ombres
avec Pavitra Wickramasinghe et les souriceaux

Affiche du projet, haute résolution (pdf)

Arthur Nadon
Daphné Marois
David Anthony Adejor
Elsa Malenfant
Ibsan Chowdhury
Maxence Ledoyen
Phillipe Poitras-Jean
Roméo Roy
Victor Begin
Sam-Yan Bradette Dutremble

Vernissage à La Sourithèque
14 mars 2019
17h – 18h
Bienvenue aux parents et ami.e.s !

À la suite d’une série d’ateliers avec l’artiste Pavitra Wickramasinghe, les souriceaux ont réalisé une œuvre cinétique collective – un jeu d’ombres fantasmagoriques – installée temporairement dans leur milieu de vie à La Sourithèque.

Venez découvrir leurs créations : une invitation au voyage et à la rencontre de l’autre!

Exposition Théâtre d’ombres
Du 14 mars au 17 mai 2019
Lundi au vendredi
7h – 18h

La Sourithèque
Le CPE La Sourithèque a pour mission d’offrir un milieu de vie stimulant pour les enfants du quartier Centre-Sud tout en assurant notamment leur santé, leur sécurité, leur plein développement ainsi que leur bien-être.

Théâtre d’ombres est la première exposition jeunesse d’OPTICA dans un centre de la petite enfance.

En collaboration avec
La Sourithèque
Geneviève Courcy – Directrice
Linda Lambert - Éducatrice

Théâtre d’ombres reçoit le soutien de la Fondation du Grand Montréal dans le cadre du Programme d’initiatives communautaires 2018 en lien avec les objectifs de développement durable des Nations-Unies.

OPTICA bénéficie du soutien du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts de Montréal. Le programme éducatif reçoit le soutien de la Fondation du Grand Montréal, Programme d’initiatives communautaires 2018, et de la Caisse Populaire Desjardins du Plateau-Mont-Royal.

La Sourithèque
1750, rue Saint-André
Montréal Québec H2L 3T8
www.souritheque.com



fondationdugrandmontréal


Pavitra Wickramasinghe s'intéresse aux conventions du regard et aux nouvelles façons de concevoir l'image en mouvement. Sa pratique explore les notions de déplacement, de fluidité du lieu et la mémoire. Elle utilise la lumière et les ombres comme des extensions de l'image projetée pour créer des installations où le regardeur, au lieu d'observer l'œuvre de l'extérieur, occupe un espace cinématographique à l'intérieur de celle-ci.

Elle est récipiendaire de plusieurs résidences d'artiste, prix et bourses dont le programme de bourses pour artistes UNESCO-Aschberg, le Changdong Art Studio du Musée national d'art contemporain (Corée du Sud), le Conseil des arts du Canada et la Bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain. Elle a exposé en Asie, au Canada et en Europe.

www.pavitraw.com




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Avec / With Sophie Bélair Clément, Rebecca Belmore, Olivia Boudreau, Marie-Claude Bouthillier, Marie-Ève Charron, Sorel Cohen, Raphaëlle de Groot, Philippe Dumaine, Vera Frenkel, Andrea Geyer, Cynthia Girard-Renard, Clara Gutsche, Rashid Johnson, Marie-Josée Lafortune, Suzy Lake, arkadi lavoie lachapelle, Maryse Larivière, Emmanuelle Léonard, Deirdre Logue, Allyson Mitchell, Wanda Nanibush, Abdi Osman, Camal Pirbhai, Claire Savoie, Johanne Sloan, Jana Sterbak, Thérèse St-Gelais, Camille Turner, Rinaldo Walcott, Giovanna Zapperi.
du 15 mars 2019 au 23 mars 2019
Lancements à Montréal et Toronto, nouvelle parution : ARCHI-FÉMINISTES!

NOUVELLE PARUTION
ARCHI-FÉMINISTES!
Art contemporain, théories féministes
Lancements de livre à Montréal et à Toronto

15 Mars 2019
18h à 20h
L’Euguélionne, librairie féministe
1426, rue Beaudry
Montréal, QC H2L 3E5

23 mars 2019
15h – 17h
Critical Distance Centre for Curators
No. 302 — Artscape Youngplace
180, rue Shaw
Toronto, ONT M6J 2W5

Éditeur
OPTICA, centre d’art contemporain
Sous la direction de
Marie-Ève Charron, Marie-Josée Lafortune, Thérèse St-Gelais

Livre à couverture souple
15,8 x 23,18 cm
160 pages / ill
Textes FR + EN
ISBN 978-2-922085-15-0
[35$]
Prix de lancement : 30$
Commande en ligne : distribution@optica.ca

Réunissant un important corpus d’œuvres réalisées entre 1970 et aujourd’hui, cette publication analyse les enjeux historiques et actuels des féminismes, en proposant des regards croisés sur la discipline de l’histoire de l’art et sa construction, maintes fois interrogées. Les manifestations féministes sont notamment examinées à partir des pratiques qui persistent à faire résistance et qui obligent à revoir les normes sociales au moyen d’activisme, de mobilisation citoyenne et de communautés de partage. Ces contributions reprennent les modèles théoriques féministes, mais relèvent également des études culturelles, décoloniales et queers, cherchant à instruire de nouveaux savoirs.

Archi-féministes! est le titre de l’exposition éponyme, présentée par le centre d’art contemporain OPTICA en 2011 et 2012, qui soulignait l’apport des femmes artistes à son histoire et au réseau canadien des centres d’artistes autogérés.

L’Euguélionne, librairie féministe est une coopérative de solidarité à but non-lucratif. Nous avons une large sélection de livres neufs et usagés, de zines et d’art imprimé. La librairie se spécialise dans la littérature des femmes* (roman, poésie, bande-dessinée, essai, jeunesse) et les ouvrages féministes, queer, lesbiens, gais, bisexuels, trans, intersexe, asexuel et agenre, two-spirited, anti-racistes, anti-coloniaux, etc. L’Euguélionne, librairie féministe organise également une diversité d’événements littéraires et féministes: lancements, cercles de lecture, conférences, ateliers, discussions, etc. librairieleuguelionne.com

Critical Distance est un espace de projet à but non lucratif, un éditeur et une association professionnelle voués au soutien et à l’avancement de la pratique commissariale à Toronto, au Canada, et à l’extérieur. Critical Distance met l’accent sur des pratiques interdisciplinaires, collaboratives et interdisciplinaires, ainsi que sur les artistes et les formes d'art sous-représentés, tout en étant sensible à la communauté et à l'éducation dans l'art et la conception d'expositions. Critical Distance se définit comme une plate-forme ouverte pour diverses perspectives de commissariats, un forum d'échanges d'idées sur la réalisation d'expositions comme moyens d'engager et d'informer des publics de tous les horizons. www.criticaldistance.ca

La CDCC est située à Artscape Youngplace, un bâtiment accessible aux fauteuils roulants avec une rampe d'accès située au 180, rue Shaw. Un ascenseur dessert tous les étages et des toilettes sont accessibles à tous les niveaux. L’autobus 63 Ossington de la TTC s’arrête à proximité et est accessible en fauteuil roulant.




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Adam Basanta, A Large Inscription, 2018.
Installation, médium mixte, microphone, amplificateurs, gravier, métal, moteur, électroniques, dimensions variables. | Mixed media installation, microphone, microphone stand, amplifiers, gravel, steel, motor, electronics, variable size. Avec l'aimable permission de l'artiste | Courtesy of the artist Crédit | Credit: Emily Gan

Adam Basanta
du 13 avril 2019 au 15 juin 2019
A Large Inscription / A Great Noise

Vernissage, samedi le 13 avril 2019 - 15h à 18h
Samedis ensemble en familles : 4 mai et 15 juin 2019.
Le philosophe Edmund Husserl a parlé de deux modalités fondamentales de la temporalité, le temps fixe et celui qui coule, et s’est tourné vers la mélodie pour illustrer le lien qui les unit. À ses yeux, l’expérience d’un temps unifié impliquait le fait de garder en mémoire ce qui avait immédiatement précédé – ce qui venait d’arriver – de manière à anticiper ce qui ne s’était pas encore produit. C’est ainsi que les œuvres récentes d’Adam Basanta nous invitent à méditer sur une impasse dans notre conscience du temps.

Qu’arrive-t-il à la succession du temps, et à la conscience que nous avons de l’avoir vécue, une fois que nous nous sommes complètement habitués au temps universel coordonné ? Qu’arrive-t-il quand, malgré des différences culturelles qui diversifient l’expérience du temps, nous objectivons si entièrement nos vies au point d’en devenir paralysés et incapables d’imaginer toute anticipation commune de l’avenir ? Mettant à jour Husserl, le philosophe Bernard Stiegler diagnostique le problème comme étant de l’hypersynchronisation. Puisque chacun et chacune d’entre nous ponctuons nos jours d’injonctions constantes à communiquer, pour « mettre son grain de sel » peu importe la banalité du sujet, les œuvres de Basanta documentent un moment tendu dans notre relation moderne au temps, tout en évoquant certaines pathologies anciennes autour de l’accomplissement du temps.

Quittant les rues urbaines aux prises avec un cycle de destruction et de reconstruction apparemment sans fin, nous tombons sur des chorégraphies mécaniques élémentaires. Nous constatons la futilité de Sisyphe, pendant qu’un microphone racle du gravier de manière cyclique, et nous faisons l’expérience de son amplification par la rencontre temporelle indifférente avec une matière non vivante. Nous entendons le Golem de Chełm à l’œuvre dans un microphone automate encastré, dont l’assemblage exécute en vain mais efficacement la plus infime différence entre bruit et son. Pris ensemble, ces gestes pourraient également être vus moins comme des boucles mutuellement prises au piège que comme des structures résonantes ou vibratoires, suggérant quelque chose de plus opportun : le passage du temps comme mouvement. Comme insistait pour le dire Husserl dans son schéma, « quand le présent concret est à une extrémité, un passé rétentif, coulant, concret y doit être relié ».

Neal Thomas

Traductrice : Colette Dugas

Neal Thomas est un spécialiste en études médiatiques. Il vit et enseigne dans la région de Kitchener-Waterloo. Son premier livre, Becoming-Social in a Networked Age, a paru chez Routledge en 2018.

Discussion publique à OPTICA,
samedi le 25 mai - 15h à 16h30 entre Adam Basanta et Eli Kerr.

COMMUNIQUÉ DE PRESSE (pdf)



Dans son travail, Adam Basanta explore les pratiques technologiques comme des performances exécutées sur diverses actions humaines, culturelles, matérielles et informatiques. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions à travers le monde, dont le Fotomuseum Winterthur (Suisse), l’Arsenal art contemporain (Canada), le National Art Centre Tokyo (Japon) et la Moscow Biennale for Young Art (5e édition, Russie).


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Jo-Anne Balcaen, David Zwirner, Tuesday, January 13, 2015, 5:24 pm, 2015-2019.
Impression jet d'encre sur polypropylène, 106,7 x 157,5 cm. | Inkjet print on polypropylene, 106,7 x 157,5 cm cm. Avec l'aimable permission de l'artiste | Courtesy of the artist

Jo-Anne Balcaen
du 13 avril 2019 au 15 juin 2019
Dynamique interne/ Internal Dynamics

Vernissage, samedi le 13 avril 2019 - 15h à 18h
Samedis ensemble en familles : 4 mai et 15 juin 2019.
Dynamique interne, une installation de photographies avec trame sonore de Jo-Anne Balcaen, est la plus récente itération d’œuvres qui plongent dans l’expérience psychique d’artistes pratiquant ce que Bourdieu a appelé une économie inversée, c’est-à-dire des artistes qui ne travaillent pas pour gagner leur vie, mais qui gagnent leur vie pour pouvoir faire de l’art. Le point de vue candide sur le monde de l’art de Balcaen, conditionnée par des années d’expérience en tant qu’ancienne coordinatrice d’expositions, est le résultat de la position ambiguë de l’artiste elle-même dans ce champ à la fois comme insider et comme outsider, et de l’effet que cette condition a exercé sur sa psyché dans sa quête d’accomplissement personnel.

Puisés dans des dizaines d’images subrepticement prises alors qu’elle visitait les galeries de réputation internationale du quartier Chelsea à New York, ses grands et opulents portraits architecturaux semblent mettre ces espaces privés de galeries à portée de main, alors que d’autres photos, de barrières utilisées pour en limiter l’accès, renforcent le sentiment de distance. Par ailleurs, certains clichés documentent, au contraire, des détails plus proches de l’être humain et qui sont dans l’ombre de l’aura persistante du cube blanc : saleté, entreposage, bureaux encombrés. Les grandes images de galeries s’intègrent parfaitement à l’espace d’OPTICA, faisant ainsi réfléchir à la mesure illusoire de la renommée qui détermine l’écart spectaculaire qui existe entre les galeries haut de gamme et les centres d’artistes autogérés, entre les artistes qui réussissent et les autres qui n’y arrivent pas.

Une trame sonore diffuse un dialogue intérieur qui résonnera auprès des personnes qui vivent une expérience semblable d’artistes, de travailleurs et de travailleuses culturel.les menant plusieurs rôles dans le milieu de l’art, non seulement pour survivre, mais aussi pour réussir, en tant que sujets singuliers en contrôle sur leur destin malgré les occasions limitées et les paralysants épisodes de doute. Le cube blanc de Balcaen est un site fertile de questionnements existentiels, riche des possibilités auxquelles elle continue de répondre, à son rythme, et aux fins de notre expérience.

Anne Bertrand

Traductrice : Colette Dugas

Anne Bertrand était impliquée au Centre des arts actuels Skol de 2005 à 2012; elle assure depuis 2012 la direction générale de l’ARCA, l’organisme national de représentation, fédérateur des neuf Regroupements de centres d’artistes autogérés au Canada et au Québec.

COMMUNIQUÉ DE PRESSE (pdf)

REVUE DE PRESSE

MAVRIKAKIS, Nicolas. «Dynamique interne»: le cube blanc renversé», Le Devoir, 20 et 21 avril 2019.



Artiste établie à Montréal, Jo-Anne Balcaen a une pratique en vidéo, installation, sculpture et photographie. Puisant dans des domaines aussi variés que la musique populaire et les rouages du monde de l’art, ses œuvres ont fait l’objet d’expositions à travers le Canada, aux États-Unis et en Europe. Elle détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université du Manitoba et une maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia.


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Les Samedis ensemble en familles |
Saturdays with the Family
du 4 mai 2019 au 15 juin 2019
Autour des œuvres de Jo-Anne Balcaen, Adam Basanta!

Oyé Mousaillon!

OPTICA t’invite à vivre une grande aventure en compagnie des deux pirates culturels du centre. Ensemble, nous irons à la découverte des expositions d’Adam Basanta et Jo-Anne Balcaen. Nous naviguerons sur la grande mer de l’art contemporain et te confierons un secret bien gardé. Afin de dénicher le trésor, tu devras accomplir l’épreuve ultime de la fabrication de ton sceau à cacheter personnalisé.

Informations pratiques
4 mai 2019
15 juin 2019
13h à 16h

Ateliers ouverts à toute la famille et offerts en continu. Vous pouvez débuter l'atelier à l'heure qui vous convient et rester le temps que vous souhaitez.
Gratuit | Sans réservation
Enfants âgés de 4 et +
Durée : 1 h15 min

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Adam Basanta, A Great Noise, 2019. Installation, médium mixte, microphones, amplificateur, ciment, câble, métal, moteur, pièces électroniques, dimensions variables | Mixed media installation, microphones, amplifier, cement, cable, steel, motor, electronic pieces, variable size | Photo : Paul Litherland

Adam Basanta, Eli Kerr
du 25 mai 2019 au 25 mai 2019
Discussion publique à OPTICA, samedi le 25 mai 2019 - 15h à 16h30

Dans le cadre de l'exposition solo A Large Inscription / A Great Noise à OPTICA, Adam Basanta s’entretiendra avec Eli Kerr sous la forme d’une discussion publique.

Eli Kerr est commissaire et auteur. Il vit à Montréal. En 2016, il a cofondé VIE D’ANGE avec Daphné Boxer. Le projet se définit comme un vaste cadre pour des activités de commissariat qui émanent et s’étendent au-delà d’un ancien garage de carrosseries. Celui-ci sert davantage de dispositif que de site pour leurs initiatives. Soucieux de soutenir de nouveaux projets expérimentaux d’artistes qui laissent une place à l’intime, leur programme d’expositions se présente sous la forme d’une série épisodique de récits séquentiels mais non linéaires. Kerr a été le lauréat des résidences du International Studio & Curatorial Program à New York (2017) et de Rupert à Vilnius, Lituanie (2018). Il est le récipiendaire du prix de la Fondation Hnatyshyn (2019) pour les conservateurs canadiens de moins de 30 ans. Il sera en résidence à Fogo Islands Arts à Terre-Neuve, Canada, cet automne.

Événement : https://www.facebook.com/events/430930737709565/